Die Grammys

Liste

Feiern Sie das goldene Jubiläum des Hip-Hop, indem Sie sich diese 10 Podcasts ansehen, die Sie unbedingt hören sollten. Jede Serie deckt eine Reihe von Themen ab, die mit der Kultur verbunden sind, von offenen Konservationen mit Elite-Moderatoren bis hin zu tiefen Einblicken in die Rap-Geschichte mit Chuck D.

Seit seiner Entstehung bei der Schulanfangsparty von DJ Kool Herc im Jahr 1973 hat sich Hip-Hop von einem Nischenmusikgenre zu einem kulturellen Phänomen entwickelt, das viele Branchen beeinflusst. Sie ist zur treibenden Kraft hinter Mode, Kunst, Film und Werbung geworden und hat die Unterhaltungslandschaft der Welt neu gestaltet.

Von „The Combat Jack Show“ bis „The Joe Budden Podcast“ hat die Popularität des Genres eine Reihe von Hip-Hop-Podcasts hervorgebracht, die die Online-Streaming-Welt dominieren.

Diese kraftvollen Podcasts und Dutzende andere bieten eine Plattform für offene Interviews mit Künstlern, kulturelle Diskussionen und tiefgreifende Analysen der Rap-Welt. Einige gehen jedoch noch einen Schritt weiter und befassen sich mit den praktischen und weniger glamourösen Aspekten der Kultur wie Finanzen, Unternehmertum, Bildung, Aktivismus und Frauenförderung.

Egal, ob Sie sich für die Inspiration hinter dem Song Ihres Lieblingsrappers interessieren oder einfach mehr über die Geschichte des Genres erfahren möchten, diese 10 Hip-Hop-Podcasts sind für Sie da.

Ganz gleich, ob Sie ein Hip-Hop-Fan sind, der auf der Suche nach Einblicken ist oder einfach nur lachen und guten Rap-Tee hören möchte, bei Drink Champs sind Sie genau richtig.

Von der kontroversen Ye-Folge bis hin zu Snoops offener Diskussion über den Kauf seines ehemaligen Labels Death Row ist der Podcast für seine offenen und ungefilterten Gespräche mit den angesagtesten Künstlern der Branche bekannt.

Die Moderatoren NORE (auch bekannt als Noreaga) und DJ EFN lassen Getränke für Erwachsene in Strömen fließen und mischen sich mit Hip-Hop-Königen auf, die Geschichten über ihre Hitalben und Dissidenten-Tracks erzählen und Mythen zerstören, die sie während ihrer gesamten Karriere verfolgt haben. Die frei fließenden Trankopfer tragen dazu bei, alle aufzulockern und bereiten die Bühne für virale und kontroverse Momente.

Wenn es um Hip-Hop geht, weiß Manny Faces, was los ist. Er ist Gründer und Geschäftsführer des Center for Hip-Hop Advocacy, das sich darauf konzentriert, das öffentliche Verständnis für Hip-Hop-Musik und -Kultur zu fördern. Hip-Hop hat mit einer ganzen Reihe negativer Stereotypen zu kämpfen, aber sie machen nur einen Bruchteil des Gesamtbildes aus. Und Faces versucht, die andere Seite dieser viel geschmähten Bewegung hervorzuheben, indem es den positiven Einfluss von Hip-Hop auf Gemeinden im ganzen Land hervorhebt.

Mit seinem langjährigen Podcast „Hip-Hop Can Save America!“ Der preisgekrönte Journalist untersucht, wie die Musik- und Kulturbewegung genutzt wird, um Aspekte von Bildung, Wissenschaft, Gesundheit, Aktivismus, Politik, Wirtschaft und Kunst im ganzen Land positiv zu beeinflussen.

In Gesprächen mit Autoren, Künstlern, Pädagogen, Aktivisten und Wissenschaftlern taucht Faces tief in die unzähligen Möglichkeiten ein, wie Hip-Hop branchenübergreifend für Veränderungen und sinnvolle Transformationen eingesetzt wird.

Was als abonnementbasierter Newsletter begann, hat sich inzwischen zu einem dynamischen Podcast- und Medienunternehmen entwickelt, das die finanziellen Aspekte von Hip-Hop analysiert. „Trapital“-Moderator und Gründer Dan Runcie legt großen Wert auf tiefgreifende Analysen und Einblicke und nutzt seinen Technologie-/Finanzhintergrund, um die geschäftliche Seite des Rap-Spiels zu erkunden und seine finanziellen Strategien und Auswirkungen aufzudecken.

Im Laufe der Show hat Runcie Musikmanager interviewt und den Aufstieg von Künstlern wie Burna Boy, den Umsatz bei MoTown, den Zustand von Streaming und physischen Medien sowie den Niedergang großer Plattenlabels untersucht.

Wenn Sie schon immer die Geschichte hinter MC Lytes berüchtigtem Diss-Song „10% Dis“ wissen wollten oder wie Ja Rule seine Nische gefunden hat, ist Rap Stories der richtige Podcast für Sie.

„Rap Stories“ wurde anlässlich des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums ins Leben gerufen und wirft einen Blick hinter die Kulissen mit kulturverändernden Künstlern – darunter Goodie Mob, MC Lyte, Currensy, Too $hort und BIG KRIT –, die intime Einblicke, Produktionsdetails und Hintergrundgeschichten bieten über ihre einflussreichsten und kulturell bedeutendsten Werke.

Nein, Ihr Verstand spielt Ihnen keinen Streich. Scarface und Willie D von den Geto Boys sind die Moderatoren dieses fesselnden Podcasts, der 2021 auf Charlamagne tha God's The Black Effect Podcast Network startete. Darin reflektieren die Southern-Rap-Pioniere über ihr Vermächtnis und ihren Aufstieg zum Star, zerstreuen Gerüchte und bieten Einblicke hinter die Kulissen ihrer Zeit bei der Hip-Hop-Gruppe aus Houston. Die Gastgeber mischen sich auch mit Gästen auf, die die Kultur geprägt haben, darunter Rap-A-Lot-Gründer J Prince, Lil Keke, Krayzie Bone, 2 Chainz, Freddie Gibbs, NBA-Ikone Allen Iverson und mehr.

Dies ist jedoch nicht nur ein längeres Gespräch über ihre Karriere oder Musik. Der Podcast lädt auch Vordenker aus der Welt der Politik, der Popkultur und darüber hinaus zu anregenden Gesprächen zu einer Vielzahl von Themen ein, von Waffengewalt und sozialer Gerechtigkeit bis hin zu psychischer Gesundheit, Beziehungen und Spiritualität.

„Das Hauptziel des Podcasts besteht darin, zu informieren und zu belehren“, sagte Willie D gegenüber The Root im Jahr 2021. „Ähnlich der Musik, die wir im Laufe unserer Karriere gemacht haben.“

Von Mitte der Achtziger bis Anfang der 2010er Jahre spielten Musikblogs eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der Hip-Hop-Landschaft. Während dieser Zeit bot das Internet sowohl etablierten als auch aufstrebenden Künstlern wie Drake und Kid Cudi eine Plattform, um ihre Musik direkt mit Fans über diese kleineren Blogseiten zu teilen, wo Fans ihre neue Musik herunterladen konnten.

Dieser von den Brüdern Eric und Jeff Rosenthal moderierte Podcast untersucht die einflussreiche Ära der MP3-Blogs im Hip-Hop zwischen 2007 und 2012, als Künstler die Macht des Internets nutzten, um ein breiteres Publikum zu erreichen und außerhalb traditioneller Kanäle kommerziellen Erfolg zu erzielen. Die Serie fängt die Wirkung dieser Amateurpublikationen und ihren transformativen Einfluss auf die Kultur ein.

Wenn sie nicht gerade mit JT zertifizierte Knaller abliefert, hält Yung Miami es in ihrem Hit-Podcast aufrecht, in dem sie mit Hip-Hop- und R&B-Stars wie Summer Walker, Megan Thee Stallion, Trina, G Herbo und Latto plaudert. Die lebhafte Podcast-Moderatorin lässt bei diesen ausgedehnten Gesprächen mit ihren Kollegen und anderen Branchengrößen nichts unversucht, von Klatsch und Geheimnissen hinter den Kulissen bis hin zu intimen Details über Beziehungen, Karrieren und psychische Gesundheit.

Aber ohne die Laserinstinkte von Diddy wäre ihre Moderationstätigkeit möglicherweise nicht zustande gekommen. Nachdem er sich Careshas Auftritt in einer Folge des Podcasts „Respectfully Justin“ von Justin Laboy und Justin Combs angesehen hatte, war der Musikmogul von ihren Reaktionen entzückt und wandte sich an sie, ob er ihre eigene Show auf seinem Revolt-Podcast-Netzwerk moderieren möchte.

Die erste Folge der Serie wurde Ende 2022 auf YouTube veröffentlicht und brach innerhalb von 24 Stunden nach ihrer Veröffentlichung mit fast 2 Millionen Aufrufen einen Zuschauerrekord.

Als Jazzie Belle Frauen stärken wollte, indem sie ihre Stimmen hervorhob und Selbstständigkeit und Selbstvertrauen förderte.

„Die Prämisse der Show besteht darin, den Einfluss, die Wirkung und das Talent von Frauen innerhalb der Kultur zu beleuchten – insbesondere für Frauen, die in einer von Männern dominierten Branche erfolgreich sind, um ihre Geschichte zu erzählen und andere Frauen zu inspirieren, andere zu inspirieren.“ Frauen“, sagte Belle zu Vibe.

Der langjährige Podcast hat eine beeindruckende Reihe von Gästen begrüßt, darunter Da Brat, Roxanne Shanté, Rapsody, Latto und Gangsta Boo sowie die mehrfach mit Platin ausgezeichnete R&B-Sensation Faith Evans und die Medienmacht Wendy Williams.

Wer könnte die Geburt des Hip-Hop besser erkunden als einer seiner Pioniere? Hip-Hop-Ikone Chuck D hat sich mit Audible für eine neue Podcast-Serie mit dem Titel „Can You Dig It?“ zusammengetan. Die fünfteilige Serie feiert diesen Monat anlässlich des 50. Geburtstags des Hip-Hop Premiere und befasst sich mit den Ursprüngen der Kultur in der Bronx in den frühen 1970er Jahren.

Erzählt von Chuck D: „Can You Dig It?“ kombiniert Drehbuchszenen mit Einblicken von Straßenfotografen, Moderatoren und ehemaligen Black Panthers. Die Audiodokumentation erkundet die Geschichten derjenigen, die die Anfänge des Hip-Hop geprägt haben, und beleuchtet ihren wesentlichen Beitrag zur globalen Wirkung des Genres.

Die Serie beleuchtet die Geschichte des Mordes an Cornell „Black Benjie“ Benjamin, der zu einem historischen Friedenstreffen auf der Hoe Avenue führte, das rivalisierende Banden in der South Bronx vereinte. Dieser Waffenstillstand schuf eine sicherere, enger verbundene Gemeinschaft und ebnete den Weg für die Party von DJ Kool Herc am 13. August 1973 in der Sedgwick Avenue 1520, die weithin als Geburtsort des Hip-Hop gilt.

Der Musikliebhaber und produktive Schöpfer Questlove möchte in diesem wöchentlichen Podcast, der gemeinsam mit Team Supreme moderiert wird, die Künstler bekannt machen, die ihn begeistern: Phonte, Unpaid Bill, Suga Steve, Laiya St. Clair und Boss Bill.

Dieses Paradies für Musikliebhaber bietet Interviews mit einer Reihe von Acts und Musiklegenden sowie ein umfangreiches Line-up der Hip-Hop-Elite, darunter Q-Tip, Jermaine Dupri, Ice-T, DJ Drama, Pete Rock und DJ Quik.

6 unbedingt anzusehende Hip-Hop-Dokumentationen: „Hip-Hop x Siempre“, „My Mic Sounds Nice“ und mehr

Foto: Jim Bennett/Getty Images

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Der Expansion des Hip-Hop und seiner Fülle an Subgenres sind keine Grenzen gesetzt. Hier ein Blick auf einige der vielfältigsten und einzigartig kreativen Subgenres, die aus den Wurzeln des Hip-Hop hervorgegangen sind.

Während Hip-Hop 50 Jahre Musik- und Kulturgeschichte feiert, erkundet GRAMMY.com den Einfluss und die internationale Reichweite des Genres im Laufe der Jahrzehnte. Ein Großteil seines Erfolgs und seiner Langlebigkeit ist etablierten Acts zu verdanken, die geografische Barrieren durchbrochen haben. Unterdessen haben zeitgenössische Supernovae den Rap in den letzten Jahren vorangetrieben.

Ihre transzendenten Kräfte haben dazu geführt, dass Hip-Hop so interkulturell wie nie zuvor ist und das Genre in andere Musiklandschaften wie Reggaeton, Afrobeats, Dancehall, Afro-Swing und unzählige andere eindringt. Während die Künstler Lil Baby, 21 Savage, Lil Uzi Vert und Future im Inland die Stellung gehalten haben, ziehen Exporteure wie Drake, Central Cee und andere über die Landesgrenzen hinweg Aufmerksamkeit und große Menschenmengen auf sich.

Durch die Etablierung ihrer Einflüsse haben diese Künstler auch die Sammlung der Subgenres innerhalb des Rap erweitert. Ein Beispiel ist die Entwicklung der Trap- und Drill-Musik und die jüngste Einführung von Reggaeton- und Afro-Beats in die größere Hip-Hop-Sphäre. Viele von ihnen haben zu branchenweit aufsehenerregenden Hits und GRAMMY-Gewinnen geführt, aber man kann nicht ignorieren, wie auch die anderen Formen des Hip-Hop zu seiner zunehmenden Verbreitung beigetragen haben.

Während der Expansion des Rap keine Grenzen gesetzt sind, werfen wir hier einen Blick auf einige der vielfältigsten und einzigartig kreativen Subgenres, die aus den Wurzeln des Hip-Hop hervorgegangen sind.

Künstler:Dave East, Joey Bada$$, Action Bronson

Mit einer knackigen Trommel und einem Snare-Bass wurde Boom Bap in den 1980er und frühen 1990er Jahren zum Hintergrund des goldenen Zeitalters des Hip-Hop. Der Sound wurde von mittlerweile legendären Künstlern wie LL Cool J, Nas, The Notorious BIG und Gruppen wie Wu-Tang Clan, A Tribe Called Quest und Mobb Deep verkörpert, die in dieser Zeit im Zentrum der Vormachtstellung New Yorks standen.

Nach seinem Höhepunkt in den späten 1990er-Jahren erlebte der Boom-Bap in den frühen 2010er-Jahren mit dem Aufstieg der Tri-State-Talente Joey Bada$$, Action Bronson, Dave East und Bishop Nehru, die eine differenziertere Interpretation des Ostküsten-Sounds der 1990er-Jahre boten, eine Wiederbelebung .

Künstler:Schoolboy Q, 50 Cent, Eiswürfel

Geschichten über das Straßenleben haben ihre Wurzeln im Hip-Hop, da sie seit langem die Realität widerspiegeln, die viele Künstler auf ihrem Weg zum Ruhm ertragen müssen. Mit dem Aufkommen des Gangsta-Rap in den späten 1980er Jahren wurde das Subgenre zu ihrer Leinwand.

Gangsta-Rap wurde von den Philadelphia-Rappern Schoolly D und Ice-T gegründet und erfreute sich bald großer Beliebtheit. In den 1980er und 90er Jahren übernahmen legendäre südkalifornische Acts wie NWA, Snoop Dogg, Dr. Dre und andere das Ruder. Mit der Zeit verbreitete sich Gangsta-Rap in den verschiedenen Rap-Regionen und inspirierte später die Drill-and-Trap-Musik.

Künstler:Junger Schläger, Zukunft, 21 Savage

Unter allen Subgenres des Hip-Hop bleibt Trap wohl einer der beliebtesten und am weitesten verbreiteten Sounds. Es begann als Ableger des Gangsta-Rap in den frühen 1990er Jahren mit dem Aufkommen von Southern-Acts wie UGK, Goodie Mob und Three 6 Mafia, aber Pioniere wie Young Jeezy, Gucci Mane und TI machten den einstigen Nischensound zum Mainstream .

Geprägt von klappernden Hi-Hats, knallharten Tritten und Geschichten über das Straßenleben ist Trap der Sound von Billboard-Hits von Künstlern wie Travis Scott, Lil Uzi Vert, 21 Savage und anderen.

Künstler:UNIIQU3, Bandmanrill, Cookie Kawaii

Dieser Stil elektronischer Clubmusik, ursprünglich Brick City Club genannt, wurde in Newark, New Jersey, von DJ Tamiel entwickelt. Wie die Musik des Baltimore Clubs verbindet sie House und Hip-Hop in rasantem Tempo. Die Subgenres unterscheiden sich nach Tempo, wobei Club-Beats aus Jersey Geschwindigkeiten von 150 BPM erreichen, verglichen mit 130 BPM aus Baltimore.

Das Subgenre erlebte Mitte der 2000er Jahre eine Wende, als der Künstler Chad B zu einem der ersten Rapper wurde, der sich über Clubbeats aus Jersey reimte. Das relativ neue Subgenre gewinnt weiter an Dynamik, da die Künstler Bandmanrill und Cookie Kawaii virale TikTok-Hits wie „Heartbroken“ und „Vibe (If I Back It Up)“ produzieren.

Künstler:Lil Yachty, Kid Cudi, Lil Wayne

Es ist leicht zu erkennen, warum Rapper als moderne Rockstars gelten – mit ihren elektrisierenden Auftritten und lautstarken Fangemeinden und allem – und das Rap-Rock-Subgenre ist nicht allzu weit zurückgeblieben. Die Künstler Lil Wayne, Young Thug, Kid Cudi und Lil Yachty haben alle ihre Stimmen über donnernde, von Gitarren getragene Beats gelegt, um die grenzenlose Natur der Rockmusik zu erkunden.

Doch bevor diese Künstler in die Punkwelt eintauchten, waren Pioniere wie Run-DMC, Public Enemy, Beastie Boys und Produzent Rick Rubin die Innovatoren der Rap-Rock-Bewegung. Obwohl es in den letzten Jahren nicht zu Billboard-Hits oder GRAMMY-Gewinnungen geführt hat, bleibt es für die größten Stars des Genres ein Punkt der klanglichen Erkundung.

Künstler:Nicki Minaj, Flo Rida, Pitbull

Während Gangsta-Rap und Trap den Hip-Hop seit langem dominieren, haben die Pop-Rap-Künstler Nicki Minaj, Pitbull, Flo Rida und andere zur weltweiten Ausbreitung des Genres beigetragen. Die Elemente des Pop-Rap haben im Laufe der Jahre viele Iterationen erlebt, wobei frühe Anwender wie Ja Rule und Nelly in den späten 1990er- und frühen 2000er-Jahren melodiebetonte Melodien mit düsteren Texten verbanden.

Das Subgenre wird oft von Hip-Hop-Puristen kritisiert, erfreut sich jedoch großer Beliebtheit, da Künstler wie Drake, Coi Leray, Doja Cat, Wiz Khalifa und andere ein Publikum aus verschiedenen Genres beliebt gemacht haben.

Künstler:E-40, Too-$hort, Keek Da Sneak, Mistah FAB

Das Wort „Hyphy“ ist umgangssprachlich für „hyperaktiv“ und der Rapper Keak Da Sneak ist dafür bekannt, den Begriff geprägt und den unverwechselbaren East Oakland-Sound mitgeprägt zu haben. Die Hyphy-Bewegung ist ein Synonym für die San Francisco Bay Area, wo Künstler wie E-40, Mac Dre, Mistah FAB und andere Partymusik mit hämmernden, rasanten Beats und Texten schufen, die sich oft um Partys und Drogenkonsum drehten.

Das Subgenre feierte Mitte der 2000er Jahre mit „Tell Me When To Go“ von E-40 Mainstream-Erfolg und lockte Millionen von Hip-Hop-Fans zu dem einst regionalen Sound. Nachdem die Begeisterung in der zweiten Hälfte der 2000er Jahre nachgelassen hatte, erlebte die Hyphy-Bewegung Mitte der 2010er Jahre einen Aufschwung, als Künstler wie Drake, YG, Mustard und andere den energiegeladenen Sound von Straßenhits wie „Who Do You Love?“ übernahmen. " und „Warum hasst du immer?“ Moderne Rapstars und Bay Area-Botschafter wie Larry June, P-Lo, Kamaiyah und andere hauchen der Hyphy-Kultur weiterhin neues Leben ein.

Künstler:Suga Free, Three 6 Mafia, UGK

Die Einflüsse des Zuhälter-Rap lassen sich auf die beliebten Blaxploitation-Filme der 1970er Jahre und die grafischen Darstellungen des ehemaligen Zuhälters und Autors Iceberg Slim zurückführen. Natürlich fanden die visuelle Darstellung und die narrativen Elemente des Zuhälter-Lebensstils Eingang in eine Vielzahl von Rap-Stilen.

Zu den einflussreichsten Künstlern zählen Ice-T, Slick Rick und Suga Free, die mit den Songs „Why U Bull—in'?“ große Popularität erlangten. und „I’d Rather Give You My Bitch“ Ende der 1990er Jahre. Und auch die Gruppen Three 6 Mafia und UGK prägten maßgeblich den Pimp-Rap, wobei ihre playalistischen und von Womanizing inspirierten Hits wie „It's Hard Out Here for a Pimp“ und „Int’l Players Anthem (I Choose You)“ das Subgenre ergänzten .

Künstler:Gehaltsabrechnung Giovanni, Larry June, Jay Worthy

Was Sie wissen sollten: Neben aufstrebenden Talenten wie Eminem, 50 Cent, Kendrick Lamar und anderen Mainstream-Acts wird Dr. Dre oft als Vater des G-Funk-Sounds bezeichnet. G-Funk beinhaltet Rap- und Funkmusik der 1970er Jahre, insbesondere die der von Görge Clinton geführten Band Parliament-Funkadelic, die Dr. Dre 1992 mit The Chronic gründete.

Obwohl er im Vergleich zu seiner früheren Form weitaus weniger beliebt ist, wurden Elemente des F-Funk-Sounds von Künstlern wie dem Detroiter Rapper Payroll Giovanni, Larry June und Jay Worthy übernommen.

Künstler:Chief Keef, G Herbo, Polo G

Drill, eine Mischung aus Trap-Musik und Gangsta-Rap, entstand Anfang der 2010er Jahre in Chicago unter den Künstlern Chief Keef, Fredo Santana, Lil Reese, G Herbo und anderen. Das Subgenre ist bekannt für seine expliziten, nihilistischen Texte und seine ungezähmte Aggression, die in den frühen Veröffentlichungen von Keef and Company zu finden sind. Und während die Dynamik des Chicagoer Drills Mitte der 2010er Jahre nachließ, haben ein erneuerter Lil Durk und Polo G dazu beigetragen, seinen Glanz wiederherzustellen.

Seit Drill im Jahr 2012 zum Mainstream aufstieg, breitete sich sein Einfluss über staatliche und internationale Grenzen aus. Die Künstler Fivio Foreign, Sheff G und der verstorbene Pop Smoke begründeten Ende der 2010er Jahre den Brooklyn-Drill, während der britische Drill von den Stars Central Cee, Digga D, Dave und anderen angeführt wurde.

Künstler:Eminem, Tech N9ne, Insane Clown Posse

Horrorcore befasst sich mit gewalttätigen und anschaulichen Themen wie Tod, Satanismus und Kannibalismus. Denken Sie an Death Metal, aber mit einem stimmungsvollen Hip-Hop-Beat, der die dunklen und oft grotesken Texte überlagert. Horrorcore-Platten sind oft von Slasher-Filmen inspiriert und einige der bemerkenswertesten Künstler, die sich mit diesem Subgenre beschäftigt haben, sind Tech N9ne, Eminem, Mars und das in Detroit geborene Duo Insane Clown Posse.

50 Künstler, die den Rap verändert haben: Jay-Z, The Notorious BIG, Dr. Dre, Nicki Minaj, Kendrick Lamar, Eminem und mehr

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von 41

Video

Das Hip-Hop-Trio 41 tauscht sich enthusiastisch am Mikrofon gegen ein hypnotisches Cover von DMXs GRAMMY-nominierter Single „Party Up (Up in Here)“ aus.

Auch 23 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Party Up (Up in Here)“ von DMX weiterhin ein fester Bestandteil von Live-Events und Party-Playlists auf der ganzen Welt. Aber abgesehen von der unwiderstehlichen Melodie und dem unwiderstehlichen Refrain war „Party Up“ einer der allerersten Chartstürmer – und GRAMMY-nominierten – Diss-Tracks, mit denen der gebürtige Comptoner seine Gegner stolz herausforderte, „mich draußen zu treffen“.

Sehen Sie in dieser Folge von Hip-Hop Re:Defined, wie das aufstrebende Rap-Trio 41 eine fröhliche Coverversion von „Party Up“ liefert. Und wie der Titel schon sagt, „feiern“ die drei Rapper während des gesamten Auftritts mit ansteckenden Tanzbewegungen und harmonischen Ad-libs.

Ihre Unbekümmertheit und ihre Entschlossenheit, Spaß zu haben, sind zu einem Markenzeichen des 41-Sounds geworden, einschließlich ihrer neuesten Singles „Fetty“ – deren Text eine Paronomasie ist, die sich auf den Rap-Star Fetty Wap bezieht – und „Bent“. Im April veröffentlichten sie ihr Debütalbum 41 Ways.

Klicken Sie auf „Play“ im Video oben, um 41s energiegeladenes Cover von DMXs „Party Up (Up In Here)“ anzusehen, und schauen Sie noch einmal auf GRAMMY.com vorbei, um weitere neue Episoden von Hip-Hop Re:Defined zu sehen, einer limitierten Serie zur Feier von Hip-Hop. 50-jähriges Hopfenjubiläum.

Ein Leitfaden für New Yorker Hip-Hop: Entdecken Sie den Sound des Geburtsortes des Rap von der Bronx bis nach Staten Island

Foto: Scott Legato/Getty Images

Besonderheit

Der Bay-Area-Hip-Hop glänzte einige Momente lang auf der Hauptbühne, hat sich aber jahrzehntelang weitgehend selbstständig entwickelt. Erfahren Sie zum 50. Jahrestag des Hip-Hop, wie „the full damn Yay“ in diese globale Kultur passt – und wie sie sich von anderen abhebt.

Die San Francisco Bay Area ist eine geografisch und kulturell vielfältige Region Nordkaliforniens, deren Musikszene die Welt beeinflusst hat. Nordkalifornien ist zwar viel größer, aber die mehr als 7,5 Millionen Menschen, die in der Bucht leben, sind für die Musikszene des Staates von entscheidender Bedeutung.

Während der Summer of Love und der damit verbundene Rock- und Psychedelia-Boom in den 1960er-Jahren vielleicht als Erstes in den Sinn kommen, wenn man an die Klänge von San Francisco denkt, ist die Bucht seit langem eine Quelle kreativer, grenzüberschreitender Hip-Hop-Musik und Kultur. In den neun Landkreisen der Region entstanden viele bedeutende Hip-Hop-Acts, die zu kreativen Kreationen inspiriert wurden.

Große Labels ignorierten Künstler aus der Bay Area zu Beginn des goldenen Zeitalters des Hip-Hop weitgehend. Dieser Mangel an Aufmerksamkeit ermöglichte jedoch eine größere kreative Freiheit und eine Vielzahl eindeutiger Bay-Area-Sounds.

Während Hip-Hop ein halbes Jahrhundert als Soundtrack für die Welt feiert, ist es ein guter Zeitpunkt zu erfahren, wie dieser Teil der Westküste in diese globale Kultur passt – und wie er sich von anderen abhebt. Hören Sie sich unten die Spotify-Playlist an oder besuchen Sie Amazon Music, Pandora und Apple Music, um mehr über die reichhaltige Hip-Hop-Kultur der Bay Area zu erfahren.

Die erste lokale kommerzielle Rap-Veröffentlichung in der Bay Area erfolgte 1981 mit Motorcycle Mikes „Super Rat“. Aber die Welt lernte die Rapper aus der Bay Area erst Anfang der 90er Jahre ernsthaft kennen, als MC Hammer allen erzählte, was sie nicht anfassen durften.

Einige der bemerkenswertesten Veröffentlichungen greifen auf den gebildeten und bewussten, aktivistenorientierten und gesundheitsorientierten Lebensstil der Region zurück. The Bay weiß auch, wie man feiert, und die funkige Musikalität der Region – von Sly and the Family Stone bis hin zu Con Funk Shun (dessen Mitglied Felton Pilate einige der frühen Werke von MC Hammer produzierte) – hat die Hip-Hop-Kultur stark beeinflusst bundesweit.

Allerdings zeichnet sich die Rap-Musikszene der Bay Area historisch durch realitätsbasierte Arbeiten aus, die manchmal auf kriminelle Aktivitäten anspielen – darunter Gewalt, Mord, Drogenhandel und Sexhandel – und schwere Zeiten schildern.

Die Vermischung der fiktiven Welt der Musik mit der kriminellen Realität hat dazu geführt, dass im ganzen Land Rap-Texte gegen Angeklagte in Strafverfahren verwendet werden. In den 90er-Jahren und Anfang der 1990er Jahre wurden prominente Rapper wie C-Bo von Sacramento und Andre „Mac Dre“ Hicks von Vallejo wegen ihrer Texte inhaftiert, in denen Verbrechen detailliert beschrieben wurden und die sich gegen Polizei und Gouverneur richteten.

Neue Landesgesetze sind ein landesweites Beispiel dafür, dass solche Arbeiten vor Gericht unzulässig sind. Im September unterzeichnete der Gouverneur von Kalifornien, Gavin Newsom, mit Unterstützung der beliebten Rapper E-40 und Too $hort aus der Bay Area den „Decriminalising Artistic Expression Act“, um die Verwendung von Rap-Texten in Strafverfahren einzuschränken. (Die Recording Academy beteiligt sich auch an einer bundesweiten Initiative, die Verwendung von Liedtexten vor Gericht einzuschränken.)

Mehrere aufsehenerregende Morde und Todesfälle veränderten den Verlauf aufstrebender Karrieren und warfen ein Fragezeichen über das ungenutzte Potenzial einiger der klügsten Künstler der Bay Area. Diese unglückliche Liste umfasst den Mord an Tupac Shakur im Jahr 1996 in Las Vegas – der prägende Jahre seiner Ausbildung und Aufnahme in der Bay Area verbrachte – und Mac Dre, dem Begründer der Hyphy-Kultur der Region, der 2004 in Kansas City erschossen wurde und immer noch regiert als größte posthume Figur der Bay Area. Dominick „The Jacka“ Newton aus Pittsburg ist eine weitere verehrte Persönlichkeit, die stark von Nordkalifornien unterstützt wird und 2015 in Oakland getötet wurde. Im Jahr 2021 starb Stephen „Zumbi“ Gaines aus Zion I in einem Krankenhaus in Oakland; Sein Tod wurde als Tötungsdelikt gewertet, es wurden jedoch keine Strafanzeigen erhoben und seine Familie forderte, die Ermittlungen im Jahr 2022 fortzusetzen.

Der Hip-Hop aus der Bay Area hatte einige Momente Zeit, um in den Augen der Welt besonders hell zu strahlen, aber die lokale Szene ist immer wieder ins Rampenlicht des Mainstreams gerückt. Sporadische Aufmerksamkeit und Verträge mit den großen Plattenfirmen im Laufe der Jahre führten dazu, dass die Rap-Szene in der Bay Area im Allgemeinen weiterhin unabhängig aufrechterhalten werden musste.

In der Zeit vor dem Streaming verkauften Plattenläden wie Amoeba Music in San Francisco und Rasputin Music (das zu seiner Blütezeit mehrere Standorte hatte) allein Tausende Exemplare von Alben und Mixtapes lokaler Künstler. Too $hort und das DIY-Geschäftsmodell von E-40 würden südländische Rap-Mogule wie Percy „Master P“ Miller, der seine No Limit Records in Richmond, Kalifornien gründete, und Bryan „Baby“ Williams von Cash Money Records aus New Orleans beeinflussen.

Jahrzehntelang gab es keine dauerhafte Label- und Vertriebsunterstützung durch die traditionellen Musikgeschäftszentren Los Angeles, New York City und später Atlanta. Mit der Eröffnung von EMPIRE Distribution im Jahr 2010 in San Francisco begann ein bedeutender Wandel, der die Stadt zu einem wichtigen Akteur in der internationalen Musikindustrie machte.

Auch wenn die San Francisco Bay Area vielleicht nicht der größte Name in der landesweiten Hip-Hop-Diskussion ist, ist ihr Außenseiterstatus ein Grund zum Stolz und ein Grund für anhaltende Kreativität. Im Jahr 2023 behalten Hip-Hop-Künstler, Produzenten und Geschäftsleute die Bucht im Auge, um nach lyrischen, sprachlichen, musikalischen, tänzerischen und stilistischen Trends Ausschau zu halten.

MC Hammer: Stanley Burrells Entwicklung vom jungen Fledermausjungen der Oakland Athletics und dem Heranwachsen mit Straßenkontakt zum GRAMMY-Gewinner und Pop-Superhelden MC Hammer in den Billboard-Charts ist die erste internationale Hip-Hop-Erfolgsgeschichte der Bay Area. Er ist der einzige Rapper aus Nordkalifornien, der seinen eigenen Samstagmorgen-Cartoon (Hammerman) auf ABC hatte – eine epische Leistung in den frühen 90er-Jahren, als Wochenendsendungen für Kinder noch ein alltägliches Phänomen waren.

Er war der Erste, der mit großen Marken wie Taco Bell und Sprite zusammenarbeitete, in einer Zeit, in der Hip-Hop noch nicht wie heute die Aufmerksamkeit der amerikanischen Konzerne genoss. VH1 strahlte 2001 ein Biopic aus und A&E gab 2009 eine Familien-Reality-Serie in Auftrag. Es gibt sogar eine Hammer-Puppe von der Spielzeugfirma Mattel.

Digitaler Untergrund:Unter der Leitung von Gregory „Shock G“ Jacobs und Ronald „Money-B“ Brooks flirtete Oaklands schelmische Party-Rap-Crew Digital Underground in den 90er Jahren mit verschiedenen Billboard-Singles und Album-Charts und veröffentlichte sechs Alben, bis Jacobs im Jahr 2021 verstarb.

Die selbsternannten „Sons of the P“ schöpften aus den Quellen der Parliament-Funkadelic-Welt und probierten und interpolierten George Clintons bekannteste Riffs, Ad-libs und freizügige Gedanken. Zu den beiden Top-40-Hits von Digital Underground gehören „Kiss You Back“ und „The Humpty Dance“, wobei letzterer bei den GRAMMYs 1991 für die beste Rap-Performance eines Duos oder einer Gruppe nominiert wurde. „The Humpty Dance“ stellte die Figur Humpty Hump vor, die ein weiteres Alter Ego von Jacobs war, aber die Gruppe tat so, als wären sie unterschiedliche Menschen, und engagierte manchmal Jacobs‘ eigenen Bruder, um den Streich auf der Bühne voranzutreiben.

Tupac Shakur: Shock G und Money-B nahmen den jungen Tupac Shakur unter ihre Fittiche, brachten ihn 1990 als Roadie und Tänzer auf Tour und produzierten Songs für sein 1991 erschienenes Debütalbum 2Pacalypse Now. Shakur nahm die Hälfte seines zweiten Albums in der East Bay auf und unterschrieb später bei den Los Angeles-Labels Interscope und Death Row.

Seine Mutter, Afeni Shakur, fühlte sich in den letzten Jahren ihres Lebens wieder mit der Bay Area verbunden und starb auf ihrem Hausboot in Sausalito, nicht weit von Marin City, wo Tupac während seiner High-School-Zeit lebte. Die Geschichte hat ihn nicht ausschließlich als Bay-Area-Künstler betrachtet, aber die Region ist ein entscheidender Architekt seiner Karriere.

Zu kurz: Obwohl er in Los Angeles geboren wurde und in seiner Jugend in die East Bay zog, ist Todd Shaws Too $hort-Charakter ein Synonym für Oakland, seine Zuhälterkultur und die Tatsache, dass er der erste war, der individuelle Mixtapes auf der Straße verkaufte. Er verwandelte sein „Out the Trunk“-Ethos in einen jahrzehntelangen Vertrag mit Jive Records.

Obwohl Too $hort Mitte der 90er Jahre damit drohte, in den Ruhestand zu gehen, macht er weiterhin Musik, um seine Diskographie zu erweitern, die sechs mit Platin ausgezeichnete Alben, drei Goldalben und die dauerhafte Hymne „Blow The Whistle“ umfasst. Er hat mit vielen Rappern zusammengearbeitet, darunter Tupac und Notorious BIG, und an „Bossy“, einem Top-20-Hit für Kelis. Shaw vertrat die Bay Area bei der Hip-Hop-Hommage der GRAMMYs 2023 und sagte gegenüber PEOPLE, dass er „wirklich froh sei, ein Teil davon zu sein“.

E-40: Wie Too $hort setzte E-40 (Earl Stevens) sein unabhängiges Plattengeschäft in einen Vertrag mit Jive Records um, der Gold- und Platin-verkaufte Singles und Alben einbrachte. Beide schufen im Wesentlichen ein Spielbuch, das von Southern-Labels wie No Limit und Cash Money zitiert und befolgt wurde. E-40s Talent zum Geschichtenerzählen und seine Begabung für die Umgangssprache werden mit beeindruckender Geschwindigkeit umgesetzt und beeinflussen weiterhin MCs auf der ganzen Welt. Er ist ebenso geschickt darin, Partyhits wie seinen Hyphy-Hit „Tell Me When to Go“ zu erfinden, als auch ergreifende Geschichten wie „Zoom“, in dem es darum geht, wie ihm das Leben nichts brachte, er aber über seine Umstände hinausging, um ein Anführer zu werden.

Als gemeinschaftsorientierter Philanthrop spendete er kürzlich 100.000 US-Dollar an die Grambling University, die er besuchte, um auf dem Campus das Earl „E-40“ Stevens Sound Recording Studio einzurichten und die nächste Generation von Künstlern zu inspirieren. In den letzten Jahren hat er seine unabhängigen Strategien auf die Lebensmittel-, Wein- und Spirituosenindustrie angewendet und wird im November ein Kochbuch veröffentlichen.

E-40 und Too $hort haben zwei Alben zusammen aufgenommen und bilden seitdem mit den in Los Angeles geborenen Snoop Dogg und Ice Cube die nördliche Hälfte der Rap-Supergroup Mount Westmore. Stevens wird bald eine nach ihm benannte Straße in der Bay Area haben, die E-40 Way in Vallejo heißt – genau wie Shaw im Dezember in Oakland den Too $hort Way erhielt.

Mac Dre: Andre Hicks hatte keine Mainstream-Karriere wie MC Hammer oder Too $hort, aber sein Einfluss auf die Musik und Kultur der Bay Area als Vorläufer und Antreiber der Hyphy ist nach wie vor übergroß. Seine Musik ist in der Straße verwurzelt, aber auch parteiorientiert und musikalisch und schlägt eine Brücke zwischen dem Rauen und Ernsten und dem Fröhlichen und Berauschten.

Seine Mutter Wanda Salvatto, die den Spitznamen Mac Wanda trägt, führte sein Label Thizz Entertainment nach seinem immer noch ungeklärten Mord im Jahr 2004 in Kansas City, Missouri, weiter. Sie hat eine umfangreiche Diskographie posthumer und Tribute-Alben und Compilations erstellt.

Smoke Da Sneak: Nachdem er Mitte der 1990er Jahre in der Oakland-Gruppe 3X Krazy für Aufsehen gesorgt hatte und später auf eigene Faust, hat sich der als Rapper geborene Charles Kente Williams seinen Platz als entscheidender Musik- und Slang-Innovator in der Bay Area verdient. Ihm werden Ausdrücke wie „fa sheezy“, „yadidimean“ und hyphy zugeschrieben, wobei letzteres eine Kurzform ist, die seine hyperaktiven Tendenzen beschreiben soll.

„Ich glaube nicht, dass sie es wissen, das ist mein Wort“, verkündet er im Refrain seines rasanten Partyhits „Super Hyphy“ aus dem Jahr 2005. Im Jahr 2017 wurde Keak Da Sneak an einer Tankstelle in Richmond, Kalifornien, achtmal von einem unbekannten Angreifer angeschossen. Obwohl er seitdem einen Rollstuhl benutzt, bleibt er in der lokalen Szene aktiv und trat kürzlich auf der Hip-Hop-Tagesparty „History of Bay Area“ des DJs und Podcasters Dregs One in San Francisco auf.

Zu kurz – Das Leben ist… zu kurz (1988)

Als Rapper und Charakter hat Too $hort Generationen von Hip-Hop-Fans aus der Bay Area übertroffen, aber die Oldschooler werden immer noch auf sein fünftes Album verweisen, das ihn dank der Unterstützung in Form eines Re-Albums aus dem Jahr 1989 aus der Region herausbrachte -Veröffentlichung von Jive Records. Es liefert die derben, zuhälterischen Raps, für die er bekannt ist, aber „Life Is…“ zeigt auch seine weniger bekannten Talente für Keyboard- und Drum-Programmierung.

MC Hammer – Please Hammer Don't Hurt 'Em (1990)

MC Hammers drittes Album „Please Hammer Don't Hurt 'Em“ stand fast fünf Monate an der Spitze der Billboard 200 und er ist der einzige Rap-Künstler aus Nordkalifornien, der GRAMMY Awards gewonnen hat. Mit ihren eingängigen Rick-James- und Prince-Samples setzten die Hitsingles des Albums „U Can’t Touch This“ und „Pray“ einen Produktionsstandard, auf den man sich seitdem praktisch verlassen kann – sei es in den beliebtesten Songs von P. Diddys Bad Boy Records-Katalog in den 1990er Jahren oder die heutigen Social-Media-Hits von Latto und Coi Leray.

1991 wurde Please Hammer Don't Hurt 'Em für das Album des Jahres nominiert und er nahm drei goldene Grammophone für den besten Rhythm & Blues-Song und die beste Rap-Solo-Performance für „U Can't Touch This“ und das beste Musikvideo mit nach Hause - Lange Form.

Digital Underground – Sexpakete (1990)

DUs mit Platin ausgezeichnetes Debütalbum ist möglicherweise das größte Konzept-Rap-Album der Bay Area, ein laszives Toben, unterstützt von imaginären Potenzpillen, Jahre bevor Viagra erfunden wurde. Songs wie „Freaks of the Industry“, „Doowutchyalike“ und „The Humpty Dance“ brachten Spaß und Leichtigkeit auf die Straßen und Haushalte in ganz Amerika.

„The Humpty Dance“ war nicht nur ein Top-20-Pop-Hit und eine Nummer-1-Rap-Single; Sein wogender Groove bildete das Rückgrat unzähliger Pop-, Rap-, R&B- und Drum-and-Bass-Songs, die später gesampelt wurden. Sogar die Spice Girls konnten nicht widerstehen, es für ihren Song „If U Can’t Dance“ aus dem Jahr 1996 zu verwenden.

2Pac – 2Pacalypse Now (1991)

Der Großteil der ersten beiden Alben von Tupac Shakurs wurde in der Bay Area aufgenommen: Er nahm das gesamte 2Pacalypse Now und die Hälfte seines zweiten Albums Strictly 4 My NIGGAZ… im Starlight Sound in der East Bay-Stadt Richmond auf. 2Pacalypse Now zeigt, wie ein Nachkomme der Black Panther Party seine Geschichte der 90er Jahre widerspiegelt.

Er arbeitete mit lokalen Produzenten – darunter Shock G, Raw Fusion und Big D The Impossible von Digital Underground – an frühen Hymnen wie „Brenda’s Got a Baby“, „Trapped“ und „If My Homie Calls“. Obwohl seine posthume Diskographie lang ist, veröffentlichte er vor seiner Ermordung im Jahr 1996 nur zwei weitere Alben: Me Against the World und das GRAMMY-nominierte All Eyez on Me.

Aus dem Funky Homosapien – „Mistadobalina“ (1991)

Als kleiner Junge entwarf Del, der Funky Homosapien, das dreiäugige Gesicht, das zum Logo seiner Hieroglyphics-Crew und zum weltweiten Symbol des Bay Area Rap wurde. „Mistadobalina“, das er mit Boogiemen und seinem Cousin Ice Cube produzierte, war sein Durchbruchslied. Sein selbstbewusster und lustiger Stil lockte Menschen in die Hiero-Welt – zu der mittlerweile auch ein jährliches Festival in Oakland gehört – und er klingt immer noch zeitlos.

RBL Posse – „Don't Give Me No Bammer Weed“ (1992)

RBL Posse ist die größte Gruppe, die aus San Franciscos hartem Viertel Hunters Point kommt und einen Plattenvertrag bei einem großen Label erhält. Sie ist vor allem für diese Ode an das Rauchen von hochwertigem Cannabis aus ihrem Debütalbum A Lesson To Be Learned in Erinnerung geblieben. Die Mitglieder Hitman und Mr. Cee wurden beide Opfer von Waffengewalt, aber ihre klangliche Visitenkarte bleibt eine lokale Hymne.

N2DEEP – „Zurück ins Hotel“ (1992)

Vallejo wird am häufigsten mit Mac Dre und E-40 in Verbindung gebracht, aber die Stadt hat auch N2DEEP ins Leben gerufen, die Latinx-Gruppe, die den sax-lastigen Rap-Song „Back to the Hotel“ auf Platz 14 der Billboard Hot 100 brachte. Dieser Song war überall im Jahr 1992 und erlebte eine Renaissance der Wertschätzung.

Souls of Mischief – „93 'til Infinity“ (1993)

Freunde von Del the Funky Homosapien und anderen Hieroglyphics-Crewmitgliedern, A-Plus, Opio, Phesto und Tajai, sind Souls of Mischief. „93 'til Infinity“ bleibt ihr inspirierender Signature-Song, der klanglich und lyrisch über Generationen hinweg Resonanz findet. Der Track wurde Dutzende Male von Künstlern wie J. Cole, Big KRIT und Tyga gesampelt.

Die bewussten Töchter – Ear to the Street (1993)

Veröffentlicht von Priority Records – dem Label aus Los Angeles, das der Welt ehrwürdige Acts wie Funkadelic, NWA und EPMD vorstellte – gab Ear to the Street zwei geschmeidigen und smarten Rapperinnen aus Oakland, die zufällig Frauen waren, eine nationale Plattform: CMG (Carla Green). ) und der verstorbene Special One (Karryl Smith, der 2011 verstarb). Ihr Debütalbum und insbesondere die Breakout-Single „Somethin‘ to Ride to (Fonky Expedition)“ sind in der Bay Area immer noch ein Muss.

Spice 1 - 187 He Wrote (1993)

Obwohl er mit Shakur zusammenarbeitete, ist „Spice 1“ immer noch einer der am meisten unterschätzten und unter dem Radar der Gangster-Rapper der alten Schule liegenden Bands. Dieses zweite Album enthält Produktionen von Too $hort und den lokalen Legenden Ant Banks und EA-Ski sowie Gastauftritte von E-40 und Comptons MC Eiht. „187 He Wrote“ landete an der Spitze der R&B/Hip-Hop-Alben-Charts und auf Platz 10 der Billboard 200-Charts.

Luniz – „I Got 5 On It (Bay Ballas Vocal Remix)“ (1995)

Fast 30 Jahre nach ihrer Veröffentlichung ist diese Ode an das Rauchen von Gras der Rapper Yukmouth und Numskull aus Oakland immer noch häufig bei Veranstaltungen und Clubs in der Bay Area zu sehen. Der Bay Ballas Vocal Remix mit E-40, Richie Rich, Spice 1, Dru Down und Shock G erregte damals die ganze Aufmerksamkeit und ist immer noch die Version, die man gerne spielt.

DJ Shadow – Endtroducing (1996)

Der mysteriöse DJ und Produzent mischte im Kern der SoleSides-Crew, die später zum Label Quannum Projects wurde und zu der wichtige Künstler aus der Bay Area wie Blackalicious, Lyrics Born und Lateef The Truthspeaker gehören. Shadows Debütalbum Endtroducing ist ein Meisterwerk des instrumentalen Hip-Hop.

Hieroglyphen – 3rd Eye Vision (1998)

Oaklands Hieroglyphics besteht aus Solo-MCs und Gruppen, die einige der am meisten gepriesenen Rap-Songs der Bay Area geschrieben haben. Das erste von drei Crew-Alben, das herausragende Arrangement und die Songauswahl auf dem 22-Track-Album „3rd Eye Vision“, das sich auf das Drei-Augen-Logo bezieht und die Talente jedes Einzelnen hervorhebt, sorgt auch 25 Jahre nach seiner Veröffentlichung für Gesprächsstoff.

Blackalicious – „Alphabet Aerobics“ (1999)

„Alphabet Aerobics“ ist eine atemberaubende Leistung sprachlicher Exzellenz des verstorbenen Rappers Gift of Gab (der tragischerweise im Jahr 2021 verstarb, nachdem er im Jahr zuvor ein Nierenimplantat erhalten hatte) und bringt Reime von zunehmender Komplexität von A bis Z. Es ist ein Lehrbuch, wie das geht MC in einem Track.

Mystic – Cuts for Luck und Scars for Freedom (2001)

Mandolyn Wind Ludlum ist vor allem als Mystic bekannt, eine Sängerin, Rapperin und Pädagogin aus Oakland, deren Debütalbum genauso frisch klingt wie bei seiner Veröffentlichung im Jahr 2001. Cuts for Luck wurde 10 Jahre später zum großen Teil mit der Lead-Single „The“ erneut veröffentlicht Life“ und „W“, ein Duett mit dem Fresno-Rapper Planet Asia, das bei den GRAMMYs 2002 für die beste Zusammenarbeit zwischen Rap und Gesang nominiert wurde.

Charizma & Peanut Butter Wolf – Big Shots (2003)

Der 1993 ermordete South-Bay-Rapper Charizma hatte nie die Gelegenheit zu sehen, wohin ihn sein Talent führen würde. „Big Shots“ wurde erst 2003 veröffentlicht, aber seine Flows bei Songs wie „Methods“ und „Jack the Mack“ sind zeitlos. Peanut Butter Wolf – ein aus San Jose stammender Produzent und enger Freund von Charizma – verlegte sein Plattenlabel Stones Throw nach Los Angeles und hält Charizmas Erbe am Leben.

Mac Dre – Echte TV-DVD und Soundtrack (2004)

Dank der Fortführung seines Plattenlabels Thizz Entertainment nach seiner Ermordung im Jahr 2004 ist Mac Dres posthume Diskographie umfangreich, aber eine zu seinen Lebzeiten veröffentlichte DVD ist vielleicht die begehrteste Veröffentlichung in der Sammlung. Treal TV hat eine Kult-Anhängerschaft für die lockere Darstellung seines Alltagslebens, seiner Autosammlung und Live-Aufnahmen von ihm, wie er Lieder wie „Thizzelle Dance“ aufführt, das auch auf Dres 2002er Album Thizzelle Washington erscheint.

Es gibt auch eine CD-Soundtrack-Version von Treal TV mit verschiedenen Künstlern und Mitarbeitern; Ein zweiter Band von Treal TV wurde 2006 veröffentlicht und enthält Aufnahmen von Mac Dre auf der Reise durch Hawaii.

Mistah FAB – „Super Sic Wit It“ (2005)

Mit seinem Bekleidungsgeschäft „Dope Era“ und häufigen Community-Events ist Mistah FAB aus Oakland ein unternehmerischer und philanthropischer Anführer der Szene, seit er angesagte Club- und Radiohits wie „Super Sic Wit It“ herausgebracht hat. Der energiegeladene Song für Autoshows verhalf ihm zu einem großen Plattenvertrag.

E-40 – Mein Ghetto-Bericht (2006)

Die vielen Alben von E-40 zeichnen sich durchweg durch ein gutes Arrangement und einen erzählerischen Handlungsbogen aus, und „My Ghetto Report Card“ zeigt ihn auf dem Höhepunkt eines zweiten Windes, der ihm zu größerer internationaler Anerkennung verhalf. Die von Lil Jon produzierte Lead-Single „Tell Me When to Go“ landete auf Platz 35 der Billboard Hot 100 und bleibt einer der großen Hits der Hyphy-Ära.

Atlantas King of Crunk produzierte sieben weitere Songs auf dem Album, darunter „White Gurl“ mit UGK und Juelz Santana und „U and Dat“ mit T-Pain und Kandi, während der Bay Area-Standardsetzer Rick Rock und E-40-Sohn Droop- E rundete die Produktionsaufgaben ab.

Der Coup – Wähle eine größere Waffe (2006)

The Coup repräsentierte die revolutionäre Seite von Oakland mit messerscharfem Intellekt und furiosen, funkigen Beats. „Pick a Bigger Weapon“ wurde von Epitaph Records veröffentlicht, einem Label, das eher für Rock- als für Rapmusik bekannt ist, und beinhaltet Kooperationen mit Jello Biafra von Dead Kennedys und Tom Morello von Rage Against The Machine. Frontmann Boots Riley hat Ausflüge ins Film- und Streaming-Fernsehen unternommen, zuletzt mit der Comedy-Serie „I'm a Virgo“. Die verstorbene DJ des Coups, Pam The Funkstress, wurde von Prince ausgewählt, um einige seiner letzten Shows zu eröffnen.

Zion I – „Tech $“ (2017)

Zion I aus Oakland reflektiert seit langem in ihrer Musik die Veränderungen und Realitäten der Bay Area. Nirgendwo findet dies so großen Anklang wie bei „Tech $“, in dem Verdrängung und Gentrifizierung beschrieben werden, wie sie buchstäblich dem verstorbenen MC Stephen Gaines widerfuhren, der als Zumbi und Baba Zumbi bekannt war. Das dazugehörige Musikvideo zeigt, wie er seine Familie aus ihrem Haus und aus der Gegend zieht.

Stunnaman02 – „Big Steppin‘“ (2021)

Der San Francisco-Rapper Jordan „Stunnaman02“ Gomes, der vielleicht größte lokale Rap-Song, der aus der Pandemie hervorgegangen ist, hat sogar den Bürgermeister der Stadt dazu gebracht, den ansteckenden Begleittanz zu dem Song aufzuführen, den KQED als „einen Trend, der den Akt des Bankdrückens rhythmisch nachahmt“ bezeichnet.

Bay-Area-Rap kann gebildet, aktivistisch, Party-Gründer und Gangster sein – und manchmal sind alle auf der gleichen Spur. Man ist besonders stolz auf den Umfang und die Bandbreite der Themen und Klangästhetik in der Region. Es ist wunderbar, nicht kategorisierbare Momente zu schaffen, aber jeder scheint große, rüttelnde Bässe zu lieben.

Innerhalb dieser Hauptstile gab es schon immer Nuancen – zum Beispiel konnte Musik, die pauschal als Gangster bezeichnet werden könnte, auch in allgemeine Themenstile wie Zuhälterei und Drogenhandel und sogar kleine Subgenres wie Mobb-Musik unterteilt werden – die zur Beschreibung einer bestimmten Unheimlichkeit geprägt wurde und düsterer Sound, der durch noch schwerere Basslinien gekennzeichnet ist als der lyrische Inhalt.

Turntablismus: In den 90er Jahren trugen DJs aus der Bay Area mit Erfahrung auf mobilen Partys und technischen Battle-Circuits maßgeblich zur Entwicklung des Turntablism bei. Mit Hilfe der Compilation-Serie „Return of the DJ“ von Bomb Hip-Hop Records aus San Francisco wurde Turntablism zu einem internationalen Stil, bei dem Plattenspieler wie Musikinstrumente eingesetzt und manipuliert werden, um Originalwerke aufzunehmen. Mit Talenten wie Shortkut, DJ Disk, DJ Apollo, DJ Flare, D-Styles, Qbert und Mix Master Mike gewann die lokale Crew Invisibl Skratch Piklz Battle-Weltmeisterschaften und inspirierte unzählige Fans dazu, DJs zu werden. Mix Master Mike tourte ausgiebig mit Beastie Boys, Metallica und Cypress Hill.

Hyphy: Die Aughts leiteten die Musik-, Sprach- und Auto-Subkultur namens Hyphy ein, die schnellere Tempi einbrachte, die bereit waren, Pillen zu knallen und auf der Tanzfläche „dumm zu werden“. Too $hort würde in seinem Hit „Blow the Whistle“ aus dem Jahr 2006 den Missbrauch von MDMA kritisieren, aber die meisten Hyphy-Hits schwelgen in Unwissenheit – und Mac Dre hat zu seinen Lebzeiten sicherlich die Vorteile von Ecstasy angepriesen.

Fast 20 Jahre sind seit dem Aufstieg von Hyphy vergangen und dies gilt als eine Art goldenes Zeitalter des Bay Area Hip-Hop, eine Zeit, in der die Aufmerksamkeit der Welt nach Westen gerichtet war. Hyphy-Songs wurden in zeitgenössischeren Kontexten gesampelt (wie Saweetie „Blow the Whistle“ für „Tap In“ aus dem Jahr 2020 verwendete), und das Thema wird häufig verwendet, um eine erhebende Nostalgie hervorzurufen.

Basierend: Brandon „Lil B“ McCartney gründete die Rap-Gruppe The Pack, als er die Berkeley High School besuchte, und ihr Kulthit „Vans“ aus dem Jahr 2006 führte zu einem Albumvertrag mit Jive Records. Nachdem er das Rudel verlassen hatte, propagierte Lil B im Alleingang einen unbearbeiteten und freien assoziativen Stil, den er „Based“ nannte, und nannte sich selbst „Based God“. Er war der Erste in der Gegend, der Social-Media-Seiten und Apps nutzte, um ein frühes Meme zu erstellen, das er mit einer großen Menge an Liedern und Videos unterstützte.

Die nächste Generation von Künstlern, die die Zukunft der Bay Area prägen, nutzt die technologischen Fähigkeiten der Region und fördert gleichzeitig Traditionen musikalischer Innovation und philanthropischer Ziele. Während der Bay-Area-Rap lange Zeit von Männern dominiert wurde, könnte die Zukunft ausgeglichener sein.

Larry Juni: Mit zehn Alben ist Larry June nicht gerade neu auf diesem Gebiet, aber er ist der Künstler aus San Francisco, der derzeit mit seinem Album „Spaceships on the Blade“ seinen Durchbruch in der Welt schafft. Der gesunde, biologische Lebensstil Nordkaliforniens ist ein beliebtes Thema für June, der sich gut ernährt, einen Boba-Laden besitzt und seinen Fans die Vorteile konsequenter, harter Arbeit zeigt.

P-Lo: Nachdem er jahrelang für die HBK-Gang-Künstler der Bay Area sowie für nationale Stars wie Wiz Khalifa und Yo Gotti produziert hat, steigt P-Los Status als Solokünstler mit seinem 2022 erschienenen Album STUNNA. Seine Zusammenarbeit mit Larry June im Jahr 2022, „Doing Good“, ist ein aufmunternder Knaller

Lil Kayla: Die in San Francisco geborene und aufgewachsene 24-jährige Lil Kayla ist bei Atlantic unter Vertrag und tritt für die 415 auf ihren Freestyles, Singles und dem 2022 erschienenen Album Young & Turnt auf. „Ich bin dabei, es für meine Stadt zu tun“, sagte sie im Mai in einem Interview mit Lil Blood TV. „Ich werde derjenige sein, der es tut, denn alle anderen bekommen es und gehen und kommen nicht zurück. Ich gehe nirgendwo hin.“

LARussell: Der als LaRussell Thomas geborene LARussell aus Vallejo hat die sozialen Medien genutzt, um seine scharfsinnigen Reime und seine soziale Botschaft zu verbreiten. Er spendet Geld, um seiner Gemeinde den Genuss von Restaurantmahlzeiten zu ermöglichen, die sie sich sonst vielleicht nicht leisten könnten. Freestyles für Sway and the Breakfast Club und sein Album I Hate When Life's Going Great haben seinen Namen über die Region hinaus gefestigt.

MacArthur-Labyrinth:Durch Teamwork werden Träume wahr, und es besteht die Hoffnung, dass MacArthur Maze, das Team von MCs und Produzenten aus Oakland unter der Leitung von DJ D Sharp von den Golden State Warriors, dazu beitragen wird, eine neue Ära der Zusammenarbeit für das kreative Wohl in der Bay Area einzuläuten, wie auf zu sehen ist das neue Gruppenalbum Blvck Saturday.

Su'Lan:Dieses in Richmond ansässige Duo beschreibt sich selbst als „hübscher Mädchen-Swag mit Hood-Twist“, der auf seinem Debütalbum „Forever Da Gang“ alte Crunk- und Hyphy-Hits in frische neue Favoriten verwandelt.

TotogangzMau:TotogangzMau, eine samoanische Rapperin aus East Palo Alto, beweist bei autobiografischen Songs wie „Grow Up“ lyrische Größe und melodische Hooklines von Anfang an.

Die himmelhohen Mieten und Immobilienpreise der Bay Area haben die Bewohner immer weiter in das Central Valley getrieben, zu dem Städte wie Modesto, Stockton und die kalifornische Hauptstadt Sacramento gehören, und die geografischen und soziologischen Grenzen der Region effektiv erweitert.

Sacramento brachte eine Fülle einheimischer Gangster-Rapper hervor. Am bemerkenswertesten sind C-Bo, ein 2Pac-Kollaborateur, der 1998 wegen seiner polizei- und gouverneurfeindlichen Texte inhaftiert wurde; Marvaless, eine Frau, die mit C-Bo debütierte und anschließend mehrere Soloalben und Kollaborationen mit den Rappern Messy Marv, Husalah und The Jacka aus der Bay Area veröffentlichte; und Mozzy, ein zeitgenössischer Star aus dem Team von Empire Distribution. Die Region beansprucht auch Saweetie, das „Icy Girl“, das von McDonald's unterstützt wurde und bei Warner Records unter Vertrag steht; Sie wuchs in der Stadt Hayward in East Bay auf, bevor sie nach Sacramento zog.

Nachdem eine Flut gewalttätiger Vorfälle bei großen Hip-Hop-Konzerten Oakland 1989 dazu veranlasste, Rap-Shows für ein Jahr zu verbieten, entwickelten die größten Städte der Bay Area den Ruf, dem Genre gegenüber abgeneigt zu sein. Sacramento, Stockton und Modesto dienten als beständigere Märkte für eine Reihe von Rappern aus der Bay Area, insbesondere für solche mit gewalttätigeren oder drogenbezogenen Inhalten.

Ein Leitfaden für Southern Hip-Hop: Endgültige Veröffentlichungen, Künstler und Subgenres aus dem schmutzigen Süden

Foto: Kevin Winter/Getty Images

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Fünf Jahre nach seiner ersten Solo-Veröffentlichung erforscht Quavos „Rocket Power“ Verlust, Glauben und Erinnerungen an den verstorbenen Neffen des Künstlers, Takeoff – eine ergreifende Hommage, die eine neue kreative Ebene für den in Georgia geborenen Künstler markiert.

Im November 2022 ereignete sich eine Tragödie in der Hip-Hop-Welt, als Migos-Star Takeoff bei einer Schießerei am frühen Morgen in Houston getötet wurde. Am stärksten von der Niederlage betroffen waren ein Drittel des berühmten Trios und sein Onkel Quavo, der Zeuge der Schießerei war und an Takeoffs Seite saß, als er an einer nahegelegenen Bowlingbahn vorbeikam.

Seit Takeoffs Tod hat sich Quavo weitgehend aus der Öffentlichkeit zurückgezogen. Im Januar tauchte er erstmals mit einer emotionalen Hommage an seinen verstorbenen Neffen „Without You“ wieder auf und veröffentlichte in den folgenden Monaten sporadisch vier weitere Singles. Doch am 18. August lieferte Quavo seinen bisher größten Tribut: das treffend betitelte Album „Rocket Power“, das die emotionalen Narben untersucht, die sich fast ein Jahr nach Takeoffs Tod gebildet haben.

Fast fünf Jahre nach seinem Debüt-Soloalbum „Quavo Huncho“ aus dem Jahr 2018 ist „Rocket Power“ ein willkommenes Zeichen für Quavos künstlerische Reifung. Der 32-jährige Rapper vereint seinen mühelosen Melodismus und seine Hit-Macht zu einem zusammenhängenden Werk voller mitreißender Jams und ohrenbetäubender Trap-Banger.

Um Hunchos neuestes Solowerk zu begrüßen, haben wir fünf frühe Erkenntnisse aus dem 18-Track-Projekt Rocket Power zusammengestellt.

Vom Intro „Fueled Up“ bis zum Schlussstück des Albums weist Rocket Power auf das Leben und Vermächtnis von Takeoff hin, der in den Songs „Patty Cake“ und „Back Where It Begins“ zu hören ist. In Songs wie „Hold Me“ beschreibt Quavo das Elend und den emotionalen Schmerz, mit dem er und andere in den Monaten nach Takeoffs unerwartetem Tod konfrontiert waren: „Ich brauche dich nur, um mich festzuhalten/ zuzuhören und mein Herz genau zu spüren.“ Quavo verweist auch auf andere wichtige Figuren in seinem Leben und bittet sie, ihm in Momenten der Dunkelheit zu Hilfe zu kommen.

Im Titeltrack „Rocket Power“ würdigt Quavo die herzzerreißenden Gedanken und die Verletzlichkeit, die er in dieser Zeit der Trauer erlebt hat, und den Tribut, den dies sowohl für ihn als auch für seine Familie bedeutet. „Ich denke an meinen Neffen, während ich ein paar Bäume umwälze/ Mama sagte, sie weint, und sie weint im Schlaf.“

Während im gesamten Projekt Hinweise auf Takeoffs Tod zu finden sind, bietet „Patty Cake“ Migos-Fans einen willkommenen Rückblick auf den Einfluss und die Chemie zwischen den beiden Künstlern. Und für viele spiegelt das Hören von Taekoffs Stimme im Zwischenspiel „Narkedo Speaks“ (das einem Interview mit den Drink Champs entnommen ist) die Art von Figur wider, die er im Rap war: „Ich habe nicht einmal einen Plan B, ich habe mir vorgenommen, keinen zu haben.“ absichtlich einen Plan B/Nur damit ich meinen Plan A erfüllen kann.

„Rocket Power“ enthält nur fünf Features, ein großer Unterschied zum Debütalbum von Quavo, das auf mehr als der Hälfte der 19 Titel Features enthielt.

Unter den Künstlern des Projekts – darunter Future, Young Thug, Hunxho und BabyDrill – stammen die bedeutendsten Momente von dem Künstler, den das Album ehrt. Mit Takeoffs Präsenz auf „Patty Cake“ und „Back Where It Begins“ spiegeln die Songs seine oft unterschätzten Talente und seine Rolle als lyrischer Vorarbeiter der Migos wider. Es zeigt auch, wie maßgeblich er an Quavos Leben beteiligt war, da der Rapper auf ihre früheren Erinnerungen an die Kindheit in Lawrenceville, Georgia, eingeht.

Mit weniger Features dringt Quavos Vision für Rocket Power lebendiger durch und die intimeren und konzeptionelleren Momente des Projekts erreichen ihren Höhepunkt. Während Stars wie Young Thug und Future Titel wie „Focused“ und „Back Where It Begins“ aufwerten, würden Songs wie „11.11“ und „Not Done Yet“ durch die Anwesenheit eines anderen Künstlers viel von ihrem emotionalen Treibstoff verlieren.

Es ist schwer, Offsets Abwesenheit bei Rocket Power zu ignorieren. Über weite Strecken des Albums wird er weder erwähnt noch erwähnt, aber „11.11“ verschaffte den Fans etwas Klarheit über den Status ihrer Beziehung.

Nach der Veröffentlichung des gemeinsamen Albums von Quavo und Takeoff, Only Built For Infinity Links, im Jahr 2022 (das nur wenige Wochen vor Takeoffs Tod veröffentlicht wurde) tauchten Gerüchte über einen Streit zwischen Quavo und Offset auf. Die beiden ersten entschärften die Berichte über ihre Fehde – einschließlich der Tatsache, dass sie sich bei den GRAMMYs 2023 hinter den Kulissen gestritten hatten –, indem sie sich im Juni zu einem Auftritt bei den BET Awards 2023 wiedervereinigten.

Und fast zwei Monate nach ihrer Wiedervereinigung deutet Quavo weiter an, dass es ihm und Offset in „11.11“ besser geht: „5:30 Huncho und Set stehen früh auf und gehen raus und holen die Tasche zusammen (Set)/ Who the „Ich werde uns zusammenbringen, niemand kann das wieder zusammenbringen/ Also halte dich aus der Mitte raus, kleiner Kerl/ Das werden wir immer sein/ Wir sind für immer berühmt (Migos).“

Auf dem gesamten Album weist Quavo darauf hin, dass sein Glaube eine Quelle emotionaler Stärke ist und wie er seine Familie nach der jüngsten Tragödie zusammenhält. Auf „Not Done Yet“ rappt der Künstler: „Giving it all I got, don't know what God got for me (God)/ Holding my head up high, I hoffe y'all verystole of me (High). "

Während der „Lost“-Rapper nie vor seinem Glauben zurückgeschreckt ist, ist „Rocket Power“ das Beste, was Quavo jemals in seiner Musik vereint hat. So sehr es auch eine Momentaufnahme seines aktuellen Geisteszustands ist, weisen die religiösen Bezüge auf die neue kreative Ebene hin, auf der sich Quavo derzeit befindet.

Nach Quavo Huncho stellten einige Hip-Hop-Fans Quavos Fähigkeit in Frage, als Solokünstler ein Album herauszubringen. Aber wenn es irgendwelche Zweifel gab, lassen Sie sie fallen. Er ist zweifellos ein Star, der es alleine schaffen kann.

Während Quavo für seine ansteckenden Hooks und Street-Hits bekannt ist, beweist Rocket Power, dass er effektiv aus seinen Lebenserfahrungen schöpfen und diese Emotionen übertragen kann, um herzzerreißende Platten zu schaffen. Es beweist auch, dass er diese Art von Platten effektiv zu einem größeren konzeptionellen Projekt zusammenfügen und sein künstlerisches Können über seine melodische Meisterschaft hinaus erweitern kann.

Auf dem gesamten Album beherrscht Quavo jeden der 18 Titel. Er liefert eine harmonische (und effektive) Mischung aus Hymnen auf Stadionniveau, emotionsgeladenen Gefühlen und knallharten Trap-Songs – und beweist damit, dass er nicht nur das Erbe, das er und Takeoff gemeinsam aufgebaut haben, fortführen, sondern sich auch weiterhin kreativ weiterentwickeln wird eigen.

Hip-Hop ist als Genre gerade erst seit 50 Jahren alt. Wie werden die nächsten 50 Jahre aussehen?